通过阅读范文范本，我们能够学习到一些优秀的写作技巧和表达方式，提高自己的写作水平。以下是小编为大家收集的总结范文，仅供参考，希望能对大家的写作有所启发。
美术鉴赏论文
鉴赏是小学美育的灵魂，是打开儿童美丽心境的钥匙。一个对生活充满热爱、对生命充满理解和尊重的人，总是会从不同角度去鉴赏，发现美和价值，这在教育中是一种真正的、充满智慧的大教育观。在小学美育中，鉴赏更是必不可少，范围也是非常广泛的，课堂教学的艺术鉴赏课外教材的补充鉴赏，兴趣爱好的培养鉴赏，人才的赏识教育，从一幅画，一节课，一本书，一个人，一个国家都有他值得鉴赏的魅力。下面我来谈谈鉴赏教学的多种形式。
一、在特定的文化意境中鉴赏。
任何美术作品都不是孤立存在的。不是真空的产物，都是在特定的历史文化背景中创造出来的。因而在进行美术鉴赏教学时，不能单纯地讲技法，而要将作品回归到原有的历史环境中，回归到特定的文化情境中，让学生真正体会到作品所要表达的人文含义。
教师可介绍作品产生的时代背景和相关的历史故事，加深学生对作品内涵的理解。如青铜器、秦俑体现了中华民族的民族精神，中国山水画体现了意境和神宗意识，古希腊艺术体现了崇尚理想与科学的精神，文艺复兴时期艺术作品体现了人文主义思想。在鉴赏中国古代山水画时，可以放一段中国古筝名曲《高山流水》，一方面能够集中学生的注意力，另一方面能够促使学生理解山水画的意境。有时还可以选择一些具有文学情节的作品供学生鉴赏，如在鉴赏齐白石的作品《虾》时，教师可以轻声吟起齐白石的诗：“塘里无鱼虾自奇，也从荷叶戏东西；写生我懒求形似，不厌声名到老低”，帮助学生体会作者创作时的心态，尽快融入到作品的情境中来。
二、融入更多的生活元素。
伟大的教育家苏霍姆林斯基曾经说过：“没有一条富有诗意的、情感的和审美的清泉，就不可能有学生全面的智力发展。”可见，生活是艺术创作的源泉。生活中的美术现象俯手可拾。在美术教学时，可以密切联系学生的生活经验，把课内与课外、校内与校外结合起来，创造出一个宏观意义上的美学情境。我们可以带领学生到校园中走走，让他们分析、评论校园建筑的布局和特色，找自己感兴趣的建筑进行全方位观察。如果有条件，我们还可以带学生参观当地的美术馆、博物馆、宗教寺庙、园林、民居；或者来到野外，那初升的太阳、绚丽的晚霞、雨后的春笋、雪中的高楼等绚丽多彩的大自然会牵动着儿童的心，为美术教育提供极好的`营养品。打破教师对讲台的垄断，打破教科书对课堂的垄断，开放课堂，提供多元化选择，以真正适应课程改革的需要。比如《校园小记者》书本要求学生出一期校园小报，学习艺术字。我要求学生当一次真正的小记者，走出课堂，采访学生和老师，以亲身经历来积累资料和经验。在实践中体会艺术的真谛。
三、调动多种感官，营造美的情境。
人类以眼睛、耳朵、皮肤、鼻子等多种感官去感受美，这在以美育人的美术教学课堂中尤为重要，因此应利用多种途径加以调动。例如：精美的挂图、优美流畅的语言、生动形象的表情、优雅的举止、得体的服饰、悦耳动听的音乐等等，形成了美的教具、美的语言、美的表情、美的服饰、美的音乐、使美无处不在，美贯穿始终，让学生感到上一节美术鉴赏课就是一种美的享受，在潜移默化中受到美的熏陶。
四、提供交互式平台。
学生鉴赏美术作品所得到的感受肯定是见仁见智的。不过，由于受经验和能力所限，他们的看法也许是幼稚和片面的，但只要是真切的感受，我们就应该给予尊重和认可，不必强求统一。现代美术教学非常重视让学生表达自己的感受，我们一定要有意识地为学生创造这种机会。
课堂是交互式的主平台。教师可引导学生在鉴赏过程中讨论，在讨论中鉴赏，可以从对作品的题材、主题、造型要素与形式等进行讨论，还可探讨作品的风格，内涵，即感情、观念、思想等。鼓励学生在个性的基础上大胆地表现，发表自己与众不同的见解。积极创设生动和谐的氛围，展开想象的翅膀，发挥创新的潜能，做到敢想、敢说、敢做、敢画，培养学生的创新意识。
五、引入多媒体。
计算机可以将课件制作水平提高到一个新的水平。如在教学中，对于点、线、面、体的理解，以前只能枯燥地讲解，现在通过计算机的帮助，教师可以成功制作出简易动画，演示点到线、线到面、面到体的整个运动轨迹，并运用在画中的不同位置来观察不同的视觉效果。从而更好地理解作品构图。
美术鉴赏课有很强的直观性，使用计算机辅助教学，通过数码投影仪，就可以将作品清晰地放大展示，让学生在鉴赏课上能够真正地“鉴赏”。
六、渗透思想品德教育，培养健康审美情趣。
别林斯基说：“美和道德是两姐妹”。从本质上看，不道德的事物是不美的，只有符合健康的审美心理的事物才是真实、高尚、道德的。换而言之，一个人只有接受了卓有成效的审美教育，在其发现美、评价美、追求美的过程中，形成正确的审美评判标准，才可能成为一个高尚的、有道德的时代新人。因而，在美术教育中渗透思想品德教育，是不可推卸的责任。教师应根据鉴赏作品所蕴含的丰富的内涵，挖掘和强化作品中的德育因素，将思想品德教育、行为规范教育、人格情操教育、理想和人生观教育有机地结合到教学活动中，以实现“教书育人”的最终教学目的。
当然，在艺术教育中不仅有教师对于学生美术鉴赏的教育，更有对于学生个人的鉴赏，对人的鉴赏，远比一副艺术作品的鉴赏更具有前瞻性，我们教育的根本是人，推动社会发展的也是人，学生就是我们国家未来的希望，世界的未来主人，因此，人才的培养就是对人的鉴赏，先鉴赏，后发展，是如今教育界流行和倡导的理念，“鉴赏”不仅仅是“爱”，更是信任、尊重、理解、激励、宽容、提醒。通过鉴赏教育，帮助学生找到学习、生活乃至未来发展最合适的位置，让他们将自己的个性和潜能发挥到极致，获得生命的乐趣。
文档为doc格式。
美术鉴赏论文
绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间（即平面）里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。
荷兰画家梵高，后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今饮誉世界。
梵高生性善良，同情穷人，早年为了“抚慰世上一切不幸的人”，他曾自费到一个矿区里去当过教士，跟矿工一样吃最差的伙食，一起睡在地板上。矿坑爆炸时，他曾冒死救出一个重伤的矿工。他的这种过分认真的牺牲精神引起了教会的不安，终于把他撤了职。这样，他才又回到绘画事业上来，受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导，并与巴黎新起的画家（包括印象派画家）建立了友谊。
梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”在历史的角度来讲，梵高的确是非常超前的画家。
他作品中所包含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在时代的前面，的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象，他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义，德国的表现主义，以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。
提起梵高的经典作品，人们第一个想到的往往是《向日葵》。它是梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，现藏于伦敦国家画廊。画面上那种仿佛是从作者内心里流淌出来的金黄色肆意渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的9朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外几朵向日葵则是苍老的、成熟甚至是行将颓败的，花瓣残缺不齐，枝桠僵硬并扭曲倾斜。这似乎暗示着某种宿命，虽然在强烈阳光的沐浴底下，向日葵还是逃脱不了苍老颓败的结局，仿佛一切都那么短暂地辉煌，世间万物都不可能像太阳一样永恒放光，短暂似乎是一切万物的宿命。然而，梵高将阳光的金黄色强加给了所有的背景物，空气、花瓶和台布等等。当他一笔笔仔细地完成从调色板到画布的颜料转移时，他应该看到，整个画室里已经被那种耀眼的金黄色所照亮了，包括他的脸，他那严肃的表情，他的精神世界。在梵高的笔下，那一团团如火焰般的向日葵，不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体，他们更狂放地表现出画家对生活的热烈渴望与顽强追求，宣泄着画家对生命的尽情体验与永久激动。
梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生，在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共同融入到凡高丰富的主观感情中去。
梵高的另一幅代表作品《星夜》，画于1890年6月，现藏于纽约现代美术馆。《星夜》呈现两种线条风格，一是弯曲的长线，一是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。暗黑的龙柏树巫一样飘舞着，涡旋般的星云、旋转的大小星体、甚至是新月都在快速旋转中。那种狞厉的流纹仿佛是宿命的流向，一切都是动荡不安的，摇摇欲坠的。而教堂的尖顶显得那么渺茫无助，它的尖顶几乎被夜空的涡漩所淹没。梵高的世界其实就是如此脆弱无助，而他陷入了一个无法摆脱的涡漩中。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木；在他的笔下，星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。
梵高曾在给弟弟迪奥的信中写道“凝望着璀璨的星空，我总是不由得浮想联翩我不禁问自己，为什么夜空中闪烁的亮点不能像法国地图上的黑色标志那样容易到达呢？我们只需坐上火车就可以到达特鲁斯肯或卢昂，而到达星星那里却要经历一次死亡之旅”。梵高所描绘的那些搅动着的漩涡似的星辰，在我们看来也许只是新奇创意的景色，但事实上那是作者心中的暗涌，以及对死亡的诠释。或许对于梵高来说，死亡并不是灾祸，而是通向天堂的隧道，是种精神的解脱。
失。它仿佛一个举着双臂的人，平躺着，双肩上举着丰收的麦田。那种令人激动并慰藉的金黄色，仿佛太阳照耀的圣域，它点燃了一个人的内心的喜悦。而却在此时，天空令人不安地被乌云遮住了，准确地说，那是一群会飞动的阴影，它是一群乌鸦，纯黑色的乌鸦以及远处天空中出现的阴霾仿佛是女巫的黑色大氅一样遮住越来越少的阳光和麦田的光芒。它是一种矛盾的心情，是一种内心深处隐约的恐惧。这就是濒临死亡之前的梵高的世界，他眼里的世界分为两种颜色，一种是令人激动的金黄色，它是属于他那执著的精神的阳光色彩，另一种是令他恐惧的阴影和失望，他对那个世界失去了最后的信心，他的心情因此被切割瓦解，一块麦田因此陷落，一片阳光因此而支离破碎。
梵高以自己的生命为赌注作画，像荆棘鸟般用灵魂与鲜血谱写生命的最后华章。在这幅绝笔画中表达出梵高的“悲伤与极度的寂寞”，他的结局似乎早就注定了。于是在奥维尔，七月灿烂的夏天，他朝自己的胸膛扣动了扳机，倒下的一刹那他的灵魂归于永恒的金黄色大地，这位癫狂的天才画家终于得到了解脱。梵高一生坎坷，尤其是在生命的。
最后几年，他的精神世界已经完全破碎。一如大海，风暴时起，颠簸倾覆，没有多少平稳的陆地了。然而与之相对的，却是他对艺术的爱。在面对不可遏止的疾病的焦灼中，他说：“绘画到底有没有美，有没有用处，这实在令人怀疑。但是怎么办呢？有些人即使精神失常了，却仍然热爱着自然与生活，因为他是画家！”“面对一种把我毁掉的、使我害怕的病。我的信仰仍然不会动摇！”然而就是这样一个对绘画有着偏执信仰的“疯子”，用其短暂的一生向我们描绘了他对生命的热爱与追求，诉说着他的激情与理想，给我们的生活增添了永恒的色彩。
音乐鉴赏论文
在高中音乐教学活动中，音乐鉴赏的教学占有很大的份量，音乐鉴赏教学不但能够潜移默化的影响学生的人格，还能感染学生的内心。然而目前很多高中的音乐鉴赏教学现状却不容乐观，不但教学设施陈旧，教师的教学方法还比较单一，严重的影响着学生鉴赏音乐的能力。因此本文就对高中音乐鉴赏的现状进行了分析，并根据分析现状中得出的问题，提出解决对策，为高中的音乐鉴赏教学提供参考。
音乐鉴赏；高中音乐教学；存在问题和解决对策。
众所周知，音乐能够陶冶人的情操、体现人们的审美情绪、表达人们的思想情感。而高中作为学生生涯中一个非常重要的阶段，其音乐教学的主要任务就是提高高中生的音乐鉴赏能力，让学生通过教师的教学掌握正确的鉴赏音乐的方法，提高学生的审美水平。
目前很多高中音乐鉴赏存在的主要问题就是，如音乐教学设施陈旧、对音乐教学的不重视以及单一的教学方式等，严重的影响着学生的音乐鉴赏能力。因此必须要对其进行完善和改正。
（一）音乐教学设施陈旧。
目前很多高中院校的音乐教学设备都比较陈旧，主要体现在教学设备和音乐教材陈旧方面。并且随着我国科技的发展，网络的普及，陈旧的教学设施很显然已经无法适应目前音乐教学的需要了，极大的限制了学生学习音乐的积极性和主动性。同时陈旧的音乐教材，即无法满足学生对音乐的追求，也无法提高学生的审美观念，让学生在音乐鉴赏中还会出现一些错误性的理解。而且很多教师习惯性的选择流行音乐作为音乐教材，让学生对音乐的兴趣只停留在流行音乐中，对于中西方比较经典的音乐作品却不感兴趣，极大的影响着音乐鉴赏的教学。
（二）对于音乐教学不够重视。
受应试教育的影响，我国很多高中院校的教师和管理人员都对音乐课程有着一定的偏见，主要原因就是音乐课程不是高考的考试范围，因此不被重视。并且很多学校和老师都对音乐教学一直抱有负面的态度，认为音乐课程会影响到学生的学习成绩，因此即使有音乐鉴赏教学，也会被语文、数学以及地理等科目的教学所取代，严重的制约着音乐教学的开展。
（三）教师教学方法比较单一。
目前很多高中的音乐老师在教授学生音乐鉴赏时，以理论式为主，缺乏跟学生的互动。并且加上学生的人数比较多，教师在教学过程中也无法做到因材施教，经常的将音乐鉴赏课当成是分析课，从而大大的降低了学生学习音乐的兴趣。同时高中很多音乐教师都是业余的，不但缺乏基本的音乐素质，教学水平还比较低，其教学的方式只是为了完成教学任务，从不去考虑如何教授好音乐课程，来陶冶学生的情操。而且还有很多音乐教师在备课过程中，只关注怎么样准备教材，却没有准备如何给学生留出音乐鉴赏的思考空间，激发学生的思维能力，培养学生的创造能力，从而无法真正的发挥音乐鉴赏教学的作用。
可以从激发学生对音乐鉴赏课的兴趣和加强师生间的交流互动的方式来提高音乐鉴赏教学的能力。
（一）更新音乐设施，做好基础性的保障。
上文中我们分析到目前很多高中学校的音乐设施比较简单，甚至有的还没有音乐设施，因此必须要更新音乐设施。首先学校和领导应该意识到音乐鉴赏教学的重要性，让其了解到音乐鉴赏教学不会影响到语文、数学以及英语等高考科目的成绩，反而会让学生能够在音乐鉴赏中，放松心情，以更好的状态去学习高考科目。其次更新音乐教学设备和教学设施，如钢琴、长笛、多媒体教室等，以此来为音乐鉴赏课程的教学提供基础性的保障。
（二）体会音乐时代背景和音乐风格，激发学生的兴趣。
在激发学生对音乐鉴赏课的兴趣时，首先要让学生体会音乐的时代背景和音乐家的音乐风格。高中生目前正处于人生中一个非常关键的阶段，不但学习压力大，情感还比较困惑，因此音乐鉴赏课的教学不但有利于帮助学生树立明确的学习目标和人生目标，还能有效的抚平学生浮躁的情绪。在音乐鉴赏课中通过分析音乐家所处的时代背景和音乐的内容，让学生了解的音乐家的音乐风格，以此来激发学生对音乐作品的兴趣。如通过聆听贝多芬的作品，不但可以了解英雄主义时代的特征，还能了解到贝多芬的音乐风格，从而拓宽了学生的视野，提高了学生的音乐鉴赏水平。同时还可以让学生聆听不同题材的音乐作品，让其能够从各个角度来体会音乐的魅力。如通过听莫扎特、德彪西的音乐作品，感受其音乐表达方式，了解其音乐风格，以此来提高自己的音乐鉴赏能力。
（三）加强师生之间的互动。
鉴于目前很多高中学校的音乐鉴赏教学采用了灌输式的教学方式，不但无法激发学生的兴趣，也没有拉近师生之间的关系，影响着学生音乐鉴赏的成绩。因此本文认为可以采用互动式教学方法，来有目的的开展师生之间的互动，让学生成为教学的主体，教师作为教学的引导者和交流者，为学生营造一个民主的课堂氛围，让学生在轻松愉悦的教学过程中感受到音乐的感悟。并且在对互动式的教学过程中，教师还需要善于聆听学生的意见，要以鼓励和表扬的方式，对学生进行指导，以此来保证音乐鉴赏的教学成绩。如在多彩的民族风的音乐鉴赏课中，教师应该根据教学要求，来组织学生对民族音乐的产生和发展进行讨论，鼓励学生勇敢的发表自己的音乐看法，让学生在互动的过程中，体会到各个民族音乐的特点。教师在讨论过程中，应该根据学生的看法和意见，及时的进行补充，不但加强了师生之间的互动，还能学生真正的掌握了音乐鉴赏的能力。同时在互动过程中，教师切莫急于求成，必须要循序渐进，以此来让学生充分的理解教学内容，增加学生的课堂和情感参与度，保证教学成绩和学生的音乐鉴赏能力。
三、结束语。
综上所述，高中音乐鉴赏在提高高中生的整体素质中发挥着非常重要的作用。高中音乐教师必须要优化自己的教学方法、提高自己的教学水平、提高对音乐鉴赏教育的重视，以此来促进音乐鉴赏教学的开展。
参考文献。
[1]任璐。高中音乐教学中存在问题的对策研究[j]。无线音乐教育前沿，20xx，（4）。
[2]靳月。浅谈高中音乐鉴赏教学存在的弊端及其对策[j]。音乐时空，20xx，（7）：119—119。
[3]高杰。高中音乐课堂教学存在的问题与对策[j]。成功：教育，20xx，（9）：171—171。
作者：刘光鹏单位：湖南隆回县万和实验学校。
美术鉴赏论文
美术作品是凝结在画作上的画家对于生活的感悟和理解，因此在欣赏美术作品时，不仅要能够理解画家高超的画技，同时也还要能够欣赏作品的美，理解作品想要表达的内涵。这在具体美术作品中能够较容易地实现，而在抽象美术作品中，由于其抽象性等特征，欣赏者较难理解其内涵。基于此，我们试图运用社会学视角对抽象美术作品的作者生平、生活环境以及政治背景等进行分析，使欣赏者能够更加深刻地理解抽象美术作品。
欣赏者在欣赏抽象美术作品的过程中，了解创作者的生平有助于把握作品中创作者留下的各种痕迹，从而更加理性地认识作品。例如，通过对创作者专业教育经历的了解，欣赏者能够理解作者不同时期作品的特点，以及创作者成熟时期作品中所包含的其他派系的痕迹，对于欣赏和理解抽象美术作品有很大的帮助。又如，通过了解创作者的情感经历，能够使欣赏者了解创作者在创作美术作品时经历的情感，从而能够将对画作的理性理解转移到对画作所表达的情感的感受上来，使欣赏者对抽象美术作品的欣赏能力得到提升。在对荷兰印象派代表人物彼埃蒙德里安的作品《灰色的树》的欣赏过程中，我们就可以采用了解作者生平的方法，这样就能够更加准确地认识和理解这幅画作，同时对这幅画作的美的印象更加深刻。彼埃蒙德里安曾在早年师从其叔叔——海牙派画家富尔兹蒙德里安，得到了写实浪漫主义的真传，这一经历对其后来的创作影响巨大。在《灰色的树》中，还能够看到写实浪漫主义的特征——将内心深处的浪漫情感通过写实主义倾泻而出。在青年时期，蒙德里安就读于国立艺术学院，受到了象征主义、印象主义和表现主义的影响，开始形成了自己的风格。在1911—1914年间，蒙德里安受到了毕加索等立体主义的影响，因而形成了立体主义的风格，在《灰色的树》中，还能够看出采用了透视和立体三维画法的痕迹。在一战期间，蒙德里安致力于用画作表现和平和发展的理念，因而开始使用中性的色彩，这也是《灰色的树》中选择灰色作为主色点的重要原因。这样，通过对蒙德里安生平进行分析，欣赏者就能够对《灰色的树》有更加准确的理解，能够看出在画作中创作者采用的方法和其创作时的情感等，更能够欣赏到作品的美以及作者人格的伟大。
对创作者的生活环境的了解，能够从源头上帮助欣赏者认识到作者对于现实事物的认识能力。这样，当作者把现实事物抽象地表现为画作时，欣赏者就能够理解作者为什么选择这种方式来表达这样的主题和这样的情感。因为作者的生活环境不仅决定了创作者的受教育程度，同时还影响着作者对于事物的认知和对于情感的体验和表现程度。只有了解到这点，才能够更好地欣赏抽象画作。在对毕加索名画《哭泣的女人》进行欣赏的过程中，就需要充分地了解毕加索的生活环境，才能够深刻理解为什么“女人”哭泣时面部扭曲、眼睫毛的移位到如此地步。《哭泣的女人》是以毕加索的情人多拉马尔为原型创作的。多拉马尔与毕加索维持了长达九年的情人关系，在两人关系刚开始的期间，多拉马尔与毕加索情感很好，两人出双入对。但是，两个人性格都很强硬，在很多问题上意见相左，谁也不愿意妥协，因而经常硬碰硬。在这样的相处模式之下，毕加索开始动手殴打多拉马尔，并且多次将多拉马尔打晕。多拉马尔也因此多次哭泣。毕加索不仅经常打多拉马尔，还经常出言刺激她，使她伤心落泪。在这种背景下，毕加索以多拉马尔为原型创造出《哭泣的女人》。当欣赏者了解了毕加索的创作过程之后，就能够更加深刻地理解《哭泣的女人》中主人公面部的扭曲，也能够理解毕加索刻意对其的丑化，能够进一步地体会毕加索在创作时候的感情。
虽然抽象艺术不直接表达现实社会，不直接表现政治问题，但是创作者所处的政治环境对其创作主题和创作思路也会产生巨大的影响。通过对其进行研究，能够更加深刻地掌握抽象美术作品的内涵。在里希特的画作《派对》中，创作者就通过画作来对明星托里亚尼的中产阶级生活方式进行了批判。这种批判并不是来源于里希特的一时兴起，而是在里希特早年的生活方式以及当时的政治环境影响下产生的，因而有着明显的政治意味。里希特在两德分裂之后，在民主德国生活，后来冲破阻碍到了西德。在与民主德国有着完全不同政治气氛与创作氛围的西德中，里希特的思想产生了极大的震撼，并且努力适应。美国当时在德国的文化艺术政策和政治政策深刻地影响西德的艺术发展，里希特也受到了深刻的影响，进而发展了其政治波普风格，这在《派对》里得到了淋漓尽致的体现。
综上所述，运用社会学视角对抽象美术作品进行鉴赏能够使欣赏者更加准确地理解作品所表达的内容，把握作品所表达的主题，掌握作品所传递的情感，这对于欣赏者鉴赏抽象美术作品有着非常重要的作用。因此，我们在对抽象美术作品鉴赏的过程中，需要灵活运用社会学的视角，通过了解创作者的生平及其所处的生活环境、政治环境等对作品进行全面、深刻和立体的了解，不断提升对抽象美术作品欣赏能力。
美术鉴赏论文
儿童是爱美的，而且对美的事物感受很早，随着年龄的增长，他们渴望艺术享受的心情日益增强，尤其是进入小学以后，对于美的事物的追求更为强烈。作为小学美术教育，应当顺应他们爱美的要求，采取多种形式实施美术鉴赏教学。审美教育是素质教育要达到的一个重要目标之一，它对于培养学生的爱好、鉴赏能力，陶冶情操等方面都有极其重要的意义。
小学美术鉴赏教学是一种把造型艺术作品作为审美对象的感觉与感情为主导因素的心理活动形式，它与教师的引导和儿童对事物的认识、理解紧密相关，我们不妨从儿童的生理心理及智力发展方向来分析掌握儿童的鉴赏习惯和鉴赏特征。
1、强烈的色彩刺激能激起儿童的鉴赏兴趣，吸引他们的注意力。蓝蓝的天，红红的花，绿荫荫的树木，黄澄澄的果实，鲜明艳丽的颜色常常等使他们欣慰和喜悦，乐于接受，如果我们把黑白图片和彩色图片同时放在他们的面前，儿童将对彩色图片反映强烈一些。
2、儿童在鉴赏过程中，往往注意某个细节的观察而忽视整体或注意整体而忽视其它。例如一年级儿童在观看绘画作品《美丽的风筝》时，他们全被风筝上色彩艳丽的花纹吸引住了，以至于忘记了手帕的存在，变成了看花。中、高年级同样有类似的现象，四年级的学生鉴赏工艺作品的刺绣，结果他们全把刺绣作品当作绘画作品看。
3、儿童在鉴赏过程中，通常是凭第一印象的感觉来鉴赏作品，无意识属性强，受情绪牵制的随意性大。他们对作品的感受总是激动片刻、粗略领会便心满意足，未能仔细琢磨，对作品的感受能力难于在较长的时间内持续增长。
4、儿童在鉴赏过程中，依据自己的生活经验、见闻认识及由画面产生的联想对作品进行评判。对那些反映他们熟悉的生活和内心世界的儿童画或同学、朋友的优美作品，他们大都能够接受，并常常用来作自己的范本。例如，城市的孩子从小看见的就是整洁、光亮的柏油路，五颜六色的霓虹灯，明亮的大厦高楼，他们就感受不出绘画作品中农村低矮的房子、稀疏的篱笆、乱的石头和柴堆也是一种美丽。
5、为加深学生对作品的感受，视觉记忆常常需要伴之以听觉记忆，尤其是鉴赏古今中外名作，没有教师生动有趣的语言帮助，儿童对艺术作品的感受也不会很深。在实际教学中，许多成功的教学课都运用了音乐伴奏的教学手段，目的就是渲染气氛，强化记忆。
》、《绘画作品中风景的静物》等。其特点是从小学中年级开始，鉴赏一些与学生生活接近、学生能理解和接受的中国古今优秀绘画作品和工艺美术作品。鉴赏课内容对于教学内容有“参考资料”的作用，在鉴赏课中渗透了有关的教学内容。如第六册的鉴赏内容是工艺作品刺绣、竹编的鉴赏，第八册的教学内容就安排了“挑花”、“竹编”手工课。鉴赏课的优秀作品档次高，起到了指导性的重要作用。3、高年级鉴赏内容主要是让学生了解祖国历史悠久的艺术文化，增强学生的民族自豪感。具体内容有：第九册的《古代雕塑中的人物形象》、第十册《现代雕塑中的人物形象》、第十一册《中国传统建筑艺术和现代建筑艺术》和第十二册绘画作品雕塑、工艺美术、建筑、小学内容总览等。其特点是要求比较全面地了解我国造型艺术门类的面貌，除了已经着手的中国画教学之外还将鉴赏的领域扩展到中国优秀古建筑、雕塑、工艺美术作品中去。
根据美术鉴赏教学的目的、任务及自身的特殊规律，我国的小学美术鉴赏教学的组织形式可以分为专题欣赏课、随堂鉴赏课和现场课三类：
1、专题鉴赏课。专题鉴赏课是课堂教学的方式，是小学美术鉴赏教学主要形式（我们前面例举的内容都是专题鉴赏内容），它指的是整个课时内组织学生专门对某些作品进行鉴赏的课业。我们以第十册的鉴赏内容为例谈一谈专题鉴赏课的课堂教学模式。这一课是鉴赏中国传统建筑艺术，教材上共提供了十幅有关传统建筑艺术的照片。教师首先要明确教学目的，即通过本课教学让学生获得哪些方面的知识？起什么作用？本课的教学目的应让学生初步了解我国传统建筑的艺术特点，懂得建筑的三大要素，使学生受到美的熏陶，增强民族自豪感。在教学过程中，让学生通过观察、回忆和比较，了解“传统”二字与“现代”的区别，再进一步引导学生了解祖国悠久的建筑史及灿烂的建筑文化，了解宫殿、楼阁、亭台、寺庙、佛塔、陵墓、民居等独树一帜、风格迥异的建筑艺术特点。
进行专题鉴赏教学，教师在教学过程中可采用谈话法、讨论法、伴音、放录音、幻灯等手段调节学生的有意注意和无意注意，可采取分析一幅作品后及时提出问题，让学生思考。要启发儿童观察分析，鼓励他们踊跃发言，各抒己见，积极讨论。
2、随堂鉴赏课。随堂鉴赏课是指在绘画和工艺（包括写生、创作、图案、塑造、手工制作）课业中所穿插进行的鉴赏。这种鉴赏方法在教学过程中运用得很多，比如：我们每一课都安排了范图及资料，教师指导学生观看讲解，指出作品美在哪里。又如：为了使低年级学生能在蜡笔的涂色中提高色彩能力，可引导学生对素描知识的加深而出示一些合理范画，这就是随掌鉴赏的教学过程。
3、现场鉴赏。现场鉴赏是一种在课堂教学之外的美术鉴赏形式，是指在较长时间内到现场和实地察看所进行的鉴赏教学。例如：组织儿童参观美术作品展览和博物馆中陈列的美术作品，访问画家、工艺美术家、雕塑家并观看其技法表演等。
条件稍差的农村，有关鉴赏课的内容应结合本地具体情况作有效的灵活调整。比如我们上《古代传统建筑》这一课时，就完全可以带学生到陶公庙去参观，让他们了解足够的知识后，民族的尊严与自豪感自然就出来了。
美术鉴赏论文
美术鉴赏是提高学生美术水平的有效途径，在美术鉴赏的过程中如何培养学生的审美创新能力成为教育工作的重点。更多美术论文相关范文尽在top期刊论文网。
美术。
《清明上河图》宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品。《清明上河图》生动翔实地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国甚至世界绘画史上都是绝无仅有的。作品以长卷的形式，采用散点透视的构图方法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画卷中，画中主要分为两部分，一部分是农村，另一部分是市集。此画分三个部分：
一是汴京郊野的春光，环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画拉开了序幕。
二是繁忙的汴河码头，这里是名闻遐迩的虹桥码头区，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。
三是热闹的市区街道，男女老幼，士农工商，三教九流，无所不备。这里交通运载工具样样俱全，绘色绘形地展现在人们的面前。张择端在作这幅画时非常注意细节，人物的表情栩栩如生，动作定格生动，使人如身临其境。画家在注重实际事物刻画的同时，又注重绘画本身的笔墨意趣。在画家看来，绘画之美并不仅仅在描绘自然景色，更重要的是笔墨本身所体现的美，所传达出的画家的主官感受、气势和意趣。
通过对这幅《清明上河图》的鉴赏以及推及到其它的作品可以看出，通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美育知识，更可以培养创造美的能力。对我们的性格，感情，认识，人生观，思想观等诸多方面都有非常重要的意义，它可以培养我们的积极性、主动性，使艺术素养、人文修养得到提高。更具一般的说，美术鉴赏的意义在于使作品完成它的创作使命。没有欣赏或鉴赏的作品，即不与观众见面的作品是不会产生任何社会作用的，美术作品只有通过鉴赏才能产生作用。美术鉴赏的过程是观者积极思考，根据自己的生活经验及掌握的知识，对作品加以理解而使作品达到完善的过程。具体作品面对不同的观者将产生不同的效应，但美术作品存在的共同效应是主要的。美术欣赏是为提高人们的文化素养与审美素质，以促进社会发展为目的。具体说它的意义体现在：
人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对我们每个人来看，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象地接触到许多人生与经历远远不能涉及的广阔无限的领域。以中国的美术作品为例，上下五千年，许多绘画，雕塑，工艺和各种建筑艺术，都可以帮助我们开阔眼界，使我们从中了解到许许多多从书本上和个人经历所无法得到的生动而丰富的知识。外国美术作品，更向我们展示了一个广阔的世界。所以通过对古今中外美术作品的欣赏，可以帮助人们周游世界，漫步历史，极大的扩展知识领域。
美术欣赏活动的特点，首先表现在它是一种感觉和理解，感情与认识相统一的精神活动。所以，欣赏者通过对艺术作品的欣赏而提高认识、接受教育。如我国原始社会的彩陶和商周的青铜艺术，以及他们许多巧夺天工、光彩夺目的工艺品，使人深深地认识到我们祖国历史的悠久和古老文化的璀璨，从而更增强热爱伟大祖国的思想感情。在欣赏的过程中，通过比较鉴别，也可以使我们认识到什么是真善美，什么是假恶丑，审美的批判过程，便是提高精神境界的过程。
这种鉴赏艺术的能力的积累，就是人的艺术素养能力提高的过程。艺术作品看的愈多的人，就愈能鉴别和欣赏艺术。
所以，多欣赏一些古今中外优秀的美术作品，多对日常生活中的美术作品进行审美分析，是提高人们艺术素养和审美素养的重要途径。我们在欣赏这些美术作品的过程中会被其中真实而生动的形象所打动，从而唤起我们优美崇高的思想感情。在这种熏陶渐染的过程中，我们会得到心灵的净化，情感的陶冶，在不知不觉中接受健康向上的精神品质和道德情操，进而改善人的情感状态，影响人的行为。同时也得到视觉的愉悦和享受，扩大我们的知识领域，开阔了我们的视野，由此可见，美术鉴赏意义非同一般。
论文诗歌鉴赏
指导老师：丁燕。
摘要：舒婷是二十世纪70年代末，中国诗坛的重要人物，她和同时代的顾城，北岛，梁小斌等以不同于前人的创作风格开启了中国当时诗坛的“朦胧诗”的高潮。作为朦胧诗的代表人物中唯一的女性诗人，舒婷既有与其他几人相同的创作理念，也有其自我独特的视角。《祖国啊，我亲爱的祖国》《致橡树》等作为舒婷最广为传颂的诗歌，在很大程度上是反映了舒婷的诗歌理念，且这种理念也潜移默化的影响了中国当代的部分人群。
关键词：舒婷，诗歌理念，平等自由。正文：
自“五四”以来，新诗的出现使诗歌的创作更加自由。当代的中国也涌现了大批优秀的新诗创作者，然而男性垄断中国诗歌界的局面很大程度上并未得到改观。除了零星的几个女诗人的出现，大部分的优秀诗歌都出于男性之手。直到上世界70年代末期，舒婷的出现，像一只燕子，预示着女性诗歌春天的到来。
（1）充满国家意识的诗歌理念：
舒婷作为新中国70年代末期到80年代初的诗人，虽然免于战火和革命斗争的洗礼，但却经历新中国最黑暗的时代——文化大革命。这段经历对于这一批诗人的影响是巨大的，许多诗人的生活由此被烙上深深的时代印记。其中食指的发疯，海子和顾城的离世等，对诗坛都是极大地打击。然而面对过去痛苦的经历，舒婷却选择了不同于他们的，但更加积极的生活，她的诗歌创作变的更加热情而非消极。她曾回忆说：“‘四人帮’倒台后，我们真的觉得祖国有希望了，在工厂的流水线上，我手上干着活，脑子里写着诗，弄得手上全是泡。写的是《祖国啊，我亲爱的祖国》”
“我是你河边上/破旧的老水车/数百年来/纺着疲惫的歌/我是你额上/熏黑的矿灯/照你/在历史的隧洞里/蜗行摸索/„„我是你簇新的理想/刚从神话的蛛网里/挣脱/我是你雪被下/古莲的胚芽/我是你挂着眼泪的/笑涡/我是新刷出的雪白的/起跑线/是绯红的黎明/正在喷薄/„„”
可以从这首诗歌中看出，在经历了那段黑暗时期的舒婷，在文革结束初期的创作是充满了家国的意识的，并没有选择消极的生活方式。同样文革的这段经历也逐渐促生了她后来倡导的自由的诗歌理念。
（2）倡导自由的的诗歌理念：舒婷在一次媒体采访时曾说：“文革刚刚结束，中国处于一个转型时期，文坛还存在‘假大空’的风气，诗歌还停留在歌颂式、口号式的审美水准上，有很多人写文章甚至画漫画批评、抵触朦胧诗„„”可见她对于四人帮的文化专制的是有着强烈的抵抗与不满。四人帮的专制文化制度就是只准文学有一种存在形式，致使中国的文坛诗坛一片口号式歌功颂德的氛围，完全没有个性的自由和独立的创作环境。有读者曾援引马克思的话：“你们并不要求玫瑰和紫罗兰散发同样的芳香，但为什么却要求世界上最丰富的东西，精神只能有一种存在形式。”
舒婷作为70年代末的诗人冲破了文革的束缚，把思想主题从政治领域扩散至人们每个人的内心世界，从群体走向每个人的内心。逐渐地，个体又重新被重视。个人情感可以堂而皇之地登上诗歌的殿堂，并更加突出且占据主要地位。视角的从外到内的转变，从群体到个人的转变，使得诗歌开始偏重自由独立，反对诗歌崇高化，反对诗歌中政治诉求的强加，在语言，节奏，韵律上作出了许多新的突破同时也破除了之前的骈文复苏逆反的潮流，仿佛是近代诗歌的一次“新古文运动”。“为什么丹红不能表现悲哀，黛青不能表现欢乐，为什么太阳只配朱砂，除非消灭光线吧。我决定不给丰收以金黄，不给希望以翠绿。”由此可以看出此后的诗人对诗歌的自由化，散文化追求。
在谈及现下的诗歌，说起赵丽华的“梨花体”，舒婷说她并不认为诗坛不景气，相反她认为这是一种文本的尝试。她说诗歌永远是年轻人的事业，只要有年轻人在，诗歌就永远有它的作者和读者，现在有很多年轻人的诗让她感到望尘莫及，她觉得超越才是诗歌传承的重要原因。她认为现在的中国，谁都可以说自己是中国最好的诗人，诗歌成为全民之事是一个好现象。从她对现下诗歌卓越而不拘泥的认识，也可以看出她对诗歌自由化的倡导。（3）呼吁女性意识的觉醒：
在代表作《致橡树》中，舒婷这样写：“我如果爱你/绝不像攀援的凌霄花/借你的高枝炫耀自己/我如果爱你/绝不学痴情的鸟儿/为绿荫重复单调的歌曲/也不止像泉源/常年送来清凉的慰藉/也不止像险峰/增加你的高度/衬托你的威仪/甚至日光，甚至春雨/不，这些都还不够！/我必须是你近旁的一株木棉/做为树的形象和你站在一起„„”
在漫长的封建时期，封建的纲常礼教的压迫对女性的独立人格的极大扭曲，形成了女性对男性的根深蒂固的依附心理。舒婷认识到，即便是在上世纪70年代这种观念在中国最广大的女性中仍旧不能得到废止且越来越有复苏的趋势。《致橡树》就是在这样的社会背景下创作出来的，其中深切地反映出舒婷对当代女性地位的新的认识，强烈的驳斥了过去陈旧的男女观念，所以就当时而言，舒婷的诗歌是充满了女性意识的新时代诗歌。
“《致橡树》热情而坦城地歌唱了诗人的人格理想，比肩而立，各自以独立的姿态深情相对的橡树和木棉，可以说是我国爱情诗中一组品格崭新的象征形象。”《致橡树》能够成为舒婷最广为流传的诗作，且一直传颂至今，正是因为她的诗歌所创造的木棉的形象能够深入人心。《致橡树》宣示了舒婷追求独立平等的男女爱情观念，提出了崭新的女性姿态，要求女性不应再作为男性的附属而存在，呼吁了女性意识的觉醒。现代女性追求的独立自由的个性观念也一定程度受到了这首诗歌的影响。可以说舒婷对现代女性的独立地位及平等爱情观念的影响是重要而深远的。
除了诗歌理念，舒婷诗歌中的语言也是非常值得欣赏的。舒婷认为，就像绘画是光和色彩的艺术，诗歌一定是语言的艺术。她说，她写诗，甚至有一种语言上的“洁癖”。本篇限于主题，不再叙述。
综述来讲，舒婷是中国近当代诗歌史上重要的一位女性作家。她的诗歌理念也得到广泛的传播，对当代中国起了深远的影响。
参考资料：
《一种演奏风格：舒婷自选诗集》——作家出版社。
《新的美学原则在崛起》——孙绍振《诗刊》1981年第3期。《舒婷：那个时代永远不会回来了》——《山西晚报》谢燕。《舒婷：呼唤女性诗歌的春天》——吴思敬。部分资料来源于网络。
美术鉴赏论文
将15克的盐放在你的面前，无论如何你难以咽下，但当15克盐放入一碗美味可口的汤中，你早就在享用佳肴时，将15克盐全部吸收了。情境之于知识，犹如汤之于盐。盐需溶入汤中，才能被吸收；知识需要溶入情境之中，才能显示出活力和美感。
——德国—学者。
上面一段话很形象精辟地比喻了情境式教学法在美术鉴赏课中的重要作用。看到这段话，我如一个苦苦念经的和尚顿悟一般，参透了知识需要溶入情境之中，才能显示出活力和美感，课堂才能真正被学生喜欢，被学生吸引。知识就是力量，知识是能力的基础，知识改变命运，知识具有无穷的魅力，为什么不少学生还厌学？原因之一就是教师没有让学生体验到知识之美。为此我们要担负起“美容师”的角色，要让我们所“经手”的知识富有美感，要让我们所“经手”的知识“流光溢彩，青春靓丽”。
情境式教学法在美术鉴赏课中的重要作用是显而易见的。
知识本身是具有丰富生动的实际内容，而表征它的语言文字（符号图象）则是抽象和简约的。而我们的教材正是由语言文字和图画汇集成的，我们在学习知识，欣赏作品时，都要透过语言文字、图象把他们所表达的实际事物想清楚，把课堂搞“活”起来，从而把两者真正统一起来，从教育心理学角度讲，这样的学习则是有意义的学习。
教师必须用情感激发学生的学习心向，这是有意义学习的情感前提。正如有的学者所指出的，从血管里流出来的是血，从山泉里流出来的水，从一位充满爱心的教师的教学里，涌腾出来的是一股股极大的感染力，它可以使学生产生同样的或与之相联系的情境。一次讲到罗中立的《父亲》，学生首先被其领袖式构图感染，我趁机讲中国“遗失”的几个词“小姐”、“同志”、“农民”，曾几何时“农民”与“土佬帽”“不讲究卫生”划上了等号，我教育学生农民是我们的衣食父母，没有农民，我们吃什么、穿什么，没有农民工就没有现在的现代化城市，所以我们要尊重农民，热爱农民。从而加深了我们对这幅作品的理解。这只是情境的一个维度“情”。(美术教学论文)它是学生进行有意义学习的认识背景，情境的另一个维度是“境”。
在欣赏中国古代绘画之山水单元专题时，我播放《高山流水》、《平沙落雁》等民族名曲，渲染作品的意境，引发一种思古的心境，让学生达到未见其境如临其境的感受。在音乐中想象自己如古人般畅游在幽静的山水之中，感受大自然山水的美景及意境，这样学生就能在我为大家创设的“境”中进入山水画的鉴赏之中。
在欣赏韩熙载《夜宴图》时，我根据五段式的画面内容，用音乐分别播放琵琶演奏、舞曲、轻音乐、笛箫合奏，引导学生随音乐感受作品的具体情节；再如用古希腊的神话传说，穿插影视讲述，引发同学对古希腊文化的向往与兴趣，我还邀请同学全班示范罗丹的《思想者》、米隆的《掷铁饼者》等可行的形体展示，使学生乐意积极主动的参与整个教学，在互动中体会到欣赏的乐趣，增强作品的感悟能力。
以上这种充满情境式的教学，把本来死板的不会动弹的文字，变成了有生命的东西，钻进了孩子们的脑海中。相反，“如果照着教学法的指示办事，做的冷冰冰的，干巴巴的，缺乏激昂的热情，那未必会有什么效果的。”（赞科夫语）这是因为“未经人的积极情感强化和加温的知识，将使人变得冷漠”。在课堂中如果教师上课冷漠，那么学生听课也必然冷漠。教师无激情讲课，学生必然无激情听课；教师无真情讲课，学生必然无真情听课。
没有激情，课堂教学就像一潭死水；没有真情，师生即使面对面，也犹如背对背。只有激情和真情才会师生之间产生一种相互感染的效应，从而不断激发学生的热情唤起学生的求知欲，激发学生进入教材的欲望，感受“身临其境”意境。情感激发的目的在于为课堂教学提供一个良好的情绪背景，学生兴致勃勃，兴趣浓厚，甚至兴高采烈，这是教学的最佳精神状态。正如英国教育学家洛克说的“孩子学习任何事情的最合理的时机是当他们兴致高、心里想做的时候。”
创设情境既要为学生的学习提供认知停靠点，也要激发学生的学习方向。这是情境教学的两大功能，也是促进学生有意义学习的两个先决条件。
当然，我们都注重“情境”吸引学生，激发学生的求知欲，课堂因此有了生气、有了效率，但是，有的教师只把它当作点缀，还有一些教师却因此迷失了教学的方向。不少教师对情境在教学中的应用存在偏差，创设的“情境”要么目的不够明确，师生的调侃游离于教学目标之外，要么缺乏价值取向过于花哨。如果设置不好，反而弄巧成拙，一味地挖空心思地在教学备课中为创设情境，寻找素材花费大量的时间和精力，却忽视了‘备美术’、‘备学生’，忽视了现实情境背后所隐含的美术线索，抓不住一节课的教学重点不懂得如何克服难点，对学生的认知起点定位不准，即所创设的情境再吸引人，也很难说是一堂成功的美术鉴赏课。因此，在注重情境的同时，还必须更深入地研究美术教材及学生。还有一种现象，有些创设情境无关因素大大干扰了课堂的进程，导致课堂效率低下。
如在鉴赏《中国古代陵墓雕塑》时，教师从奴隶社会的陪葬讲到世界各地的葬礼竟然用了一节课的三分之一时间，这样就本末倒置，抓不住重点了。
另外“情境”的创设并不时时处处需要，而应根据具体情况进行具体分析。情境作为美术知识的载体，是为美术教学服务的。我们应根据美术知识的线索，努力创设“良好的”“合适的”情境。
总之，情境式教学在美术鉴赏课堂中是课堂教学的基本要素，有利也有弊，对其弊端要克服，更要发挥其有利的方面，努力创设有价值的教学情境，更好地为课堂教学服务，让课堂成为学生学习的乐土。
艺术鉴赏论文
一、中西声乐历史文化。
声乐作为音乐艺术的一部分，是从人类的原始时期就开始出现的。
远古时期，中西声乐艺术在各自图腾意识和文化氛围中就已呈现出迥然不同的表现形态。
汉唐是中国历史上汉族音乐与外来音乐大融合的时代。对外来音乐艺术的兼容并蓄，促使汉唐时代声乐艺术的空前繁荣。中国传统声乐艺术形式多样、品种繁多、流派纷呈、长期并存。
西方声乐艺术形式相对单一，但长期在歌坛独领风骚。从古希腊史诗、到中世纪圣咏与合唱艺术，再到歌剧，西方声乐形式经历了一个从独唱发展到合唱，再发展到比较高级的独唱的过程。
二、中西声乐审美比较。
由于中西历史文化背景的差异，导致中西方在声乐审美上有着迥然不同的见解。崇尚中和之美的中国人在审美心理中多习惯于平和、渐进、渐变的心理趋向，不喜欢新异、突变的普遍心态，而西方人则不同，西方音乐结构思维注重在矛盾冲突的对比前提下求统一的特征。中西文化在传统声乐艺术领域的另一突出反映，具体表现为中国以字韵纯正为重、西方则以声音优美为重。
西方传统声乐理论系统论及歌唱的呼吸与共鸣、声音的流畅与灵活等声乐艺术表现的诸多方面，而“声音优美”确是西方声乐艺术审美的首要标准。
三、中西声乐文化内涵。
声乐来自于社会生活，也是最早的音乐表现形式。它之所以自形成之初一直流播展衍至今，与其自身具备的社会功能是分不开的。其具有的社会功能有如下几种：信号功能;信息功能;仪式功能;宗教、道德的教化功能;娱乐功能;审美功能。这几种功能包涵了人类生活的方方面面，而由于历史文化的不同，中西方之间也有所区别。
华夏先民以农耕为主，思维意识没有明确的主客体之分，具有整体性、综合性、模糊性、直观性的特征。西方文明发端于狩猎、游牧的生活方式。在思维判断的方式上，理性推理超过感性经验。现代观念上的西方音乐，主要是指脱胎于基督教文明的艺术音乐。西方艺术声乐的产生最初是为了满足宗教仪式和宣传基督教义的需要。由于教会的至高无上的地位，教会成了专业音乐人才的培训基地和创作、演唱的中心，从而使西方的声乐较早地具备了鲜明的职业化、专业化的特征，也由此保证了西方声乐作品的规范性、严谨性和艺术性。
中西方音乐文化内涵的.差异首先体现在声乐作品上。中国声乐作品音乐和语言的关系紧密。中国语言的声调较为丰富，音调依附于语调。西方的语言是多音节的拼音文字，声调变化相对简单，而音节节奏和重音变化丰富。中国旋律多围绕音韵(平仄)进行，节奏的装饰性较强，总体呈现出非均分性、非定量性和随意性的特点。西方语言较少声调的变化，歌词多讲究节奏韵律的抑扬。相对于语调而言，语义对语言节奏的依附性更大。我国汉族的音调主要采用没有半音进行的五声音阶，因此歌曲缺少功能性的倾向进行。在西方音乐中，无论是教会调式还是大小调体系，每个音的稳定性不同，其他各音都具有对主音的倾向性。这种不稳定性不仅造成音和音之间相互联系的紧密，加强了歌曲旋律进行的动力感。
四、结语。
不同的社会历史背景为中西传统声乐艺术注入了各异的思想文化内涵。声乐艺术的历史文化背景、审美和文化内涵其实是统一在一起的。待人类传统文化与中西声乐艺术，肤浅的民族主义情绪无疑引发无谓的民族优劣论争，狭隘的民族虚无主义思想必然导致有害的民族传统批判。土洋之争、门户之见或许不只是政治历史的原因，囿于以乐论歌、以技说艺难免将民族声乐艺术引入狭路。否定传统文化便割断了民族声乐艺术发展的根本血脉，排斥外来文化则助长了民族声乐艺术退化基因的滋生。完整地继承民族传统声乐文化精粹，广泛地吸收外来一切优秀声乐文化，以中国传统声乐美学思想为宗，以西方近代声乐技术理论为径，或许是中国声乐艺术发展的明智选择。
参考文献：
美术鉴赏论文
这学期我有幸上了美术鉴赏课。老师为我们介绍了有关绘画、建筑、雕塑等方面的知识。使我对艺术产生了一定的兴趣。在这里，我就浅谈一下对艺术美特征的一些认识。
艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态，它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动，从本质上说，也是人的本质力量的定向化活动。因此，艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。
艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活反映，另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合，并物化为具有艺术形象的艺术作品。因此，艺术美的主要特征便集中表现为：形象性、主体性、审美性等基本特征。
（一）艺术美的形象性。
艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性，是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过，艺术“既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。各个具体的艺术门类，它们所塑造的形象具有各自不同的特点，如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象，音乐塑造听觉形象，戏剧、影视塑造综合形象，语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何，形象性是任何艺术种类都不可缺少的，是艺术美的基本特征。二）艺术美的直观性。所谓直观性，就是具体生动性和直接可感性，它能够直接作用于人的感觉器官而在大脑中产生感觉、知觉和表象，并进而产生联想或想象。这是因为任何艺术美总是由形象的美决定的。而一切形象又都是直观的。有些艺术作品中，艺术美的直观性表现得十分明显。例如意大利文艺复兴时期著名美术家达·芬奇的优秀肖像画《蒙娜丽莎》。在另一些艺术作品中，艺术美的直观性虽然不如上面所说的那么明显，但是，它们也直接作用于我们的感觉器官，使我们经过联想或想象，在脑中产生出美的形象。
（三）艺术美的审美性。
艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来，也使得艺术美与自然美区分开来。
（四）艺术美的主体性。
艺术美还有一个基本特征，就是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术美来源于现实生活并反映现实生活，但是，这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以，主体性作为艺术美的基本特征之一，不但体现在艺术创作上，而且体现在艺术欣赏中。
（五）艺术美的协调性。所谓协调性，最根本的是指内容和形式的统一，也就是说以完全美的艺术形式表现真实的生活内容。艺术作品的美，表现在形式同内容有机地联系一在起，并且由内容来决定，而内容又仅仅在一定的形式之中。这主要是由任何艺术美总是生活的反映来决定的。
（六）艺术美的典型性。所谓典型性，就是艺术作品中的形象既具有鲜明独特的个性又能反映一定社会本质的某些方面，并寄寓着艺术家的审美理想和审美情感。恩格斯要求作家塑造“典型环境中的典型性格”，就是指的这种典型性。毛泽东同志所说：“文艺作品中反映出来的生活却可以而且应该比普通的实际生活更高，更强烈，更有集中性，更典型，更理想，因此就更带普遍性。”也是指的这种典型性。艺术美的典型性这一特征，同样是由艺术美的基本内容决定的，它是人对于美的理想的追求和体现。
（七）艺术美的民族性。所谓民族性，就是各民族在长期的共同生活过程中形成的各自的审美理想和艺术形式的特点。换句话说，任何一件艺术作品中的美都必然具有产生这种美的各个民族的不同特色。这是由于任何一位艺术家都从属于一定的民族，他的作品中的美必然不能超脱他所在民族的整个历史。
随着时间的推移，美术鉴赏课即将结束。很感谢老师为我们提供了那么多有关艺术方面的知识，弥补了我在艺术知识上的不足，也使我对艺术产生了兴趣。希望在今后的学习生活中，我能继续汲取艺术方面的知识，不断充实自己，丰富自己，提高自身的内涵。
美术鉴赏论文
论“中国美术史宋元明清时期”
艺术，从人类起源而诞生而且随着人类精神生活的提高而不断发展，不断完善。现在的艺术通常可以从三个层面来认识。第一是从精神层面，把艺术看作是文化的一个领域或文化价值的一种形态，把它与宗教、哲学、伦理等并列。第二是从活动过程的层面来认识艺术，认为艺术就是艺术家的自我表现、创造活动，或对现实的模仿活动。第三是从活动结果层面，认为艺术就是艺术品，强调艺术的客观存在。而在中国美术“这个专门名词，在中国是从”五四"新文化运动开始被文艺家和教育家普遍运用的，但后来，中国的文艺界，和美术界逐渐把艺术和美术分离开来，艺术成为表现人类情感的一门学科，而美术便成为了艺术的一个分支，用来表示视觉上的艺术效果，例如墨水画，雕刻，等其他表现形式。
在中国的美术史上，有过许许多多的美术巅峰期，战国秦汉时期的雕塑和青铜器，隋唐时期的绘画与佛教美术石窟，以及宋元时期多元化的绘画技巧。而这其中宋元时期的绘画经过前面各段时期绘画技巧的不断积累达到中国封建时期绘画的最高峰。下面，我将着重介绍宋元明清时期绘画的艺术特征和绘画风格。
首先是两宋时期，两宋时期是我国古代绘画彩墨争辉，情景交融的新时期，其绘画在隋唐五代的基础上得到了很好的发展。民间绘画、宫廷绘画、文人士大夫绘画各自形成体系，彼此间又相互影响、吸收、渗透，构成了宋代绘画丰富多彩的面貌。两宋在一段时期内，社会保持着相对安定的局面，商业手工业迅速发展，出现了空前未有的繁荣。其次，南宋虽然偏安江南，由于物产丰盛，大量南迁的北方人和南方人一起共同开发江南，使得两宋文化都得到了继续和发展，并超过了北方。另外，这个时期的政治形式，经济发展和社会思想文化状况，都对绘画的发展有着不同程度的影响。另外一个重要的原因便是皇室贵族对美术需求量的日益增长和统治阶级对美术的重视和爱好，使得宫廷绘画出现了前所未有的繁荣。另外，城市的繁荣和市民阶层的壮大，也使绘画和社会群众建立了较前代更为广泛的密切联系。人物画在反映现实生活中有了大幅度的进步，从唐代以画重大历史事件和贵族生活为主，扩展到描绘城乡市井平民生活的各个方面：这其中的代表就是张择端的《清明上河图》。花鸟山水画的发展也超过了以前时期。由于社会的重视，山水画逐渐跃居绘画的主体地位，并朝着广度和深度进一步发展，更加注重写生和技法的探索，呈现出巨匠辈出，异彩纷呈的繁荣景象，元代绘画在唐，五代，宋的基础上，有了显著的发展，特点是取消了画院制度，文人画兴起，人物画相对减少。绘画注重诗书画的结合，舍形取神，简逸为上，重视情感的发挥，审美趣味发生了显著的变化，体现了中国画的又一次创造性的发展。元代前期各位画家对唐，五代，宋以来的山水画继承和发展进行了认真的探索。花鸟画以梅兰竹石为主体的文人画广泛流行，讲求自然和笔墨情趣。许多山水画家也兼擅水墨花鸟和梅兰竹，文人画占据画坛主流。因元代未设画院，除少数专业画家直接服务于宫廷外，大都是身居高位的士大夫画家和在野的文人画家。他们的创作比较自由，多表现自身的生活环境、情趣和理想。山水、枯木、竹石、梅兰等题材大量出现，直接反映社会生活的人物画减少。作品强调文学性和笔墨韵味，重视以书法用笔入画和诗、书、画的三结合，提倡遗貌求神，以简逸为上,追求古意和士气,重视主观意兴的抒发。与宋代院体画的刻意求工、注重形似大相径庭，形成鲜明的时代风貌，也有力地推动了后世文人画的蓬勃发展。
明朝时期苏州地区逐渐发展成为南方的大都市。经济的发达促进了文化的繁荣，绘画名家出现很多，文人名流经常聚会宴饮，很多文人把画画当作娱乐。他们继承和发展了崇尚笔墨意趣的元代绘画传统。他们新颖的绘画风格和杰出的艺术成就闻名画坛。后人将他们称为“吴门四一谈到明朝时期的绘画，我们就会想到唐伯虎，以及江南四大才子，还有就是扬州八怪。诚然，他们以新颖的绘画风格和杰出的艺术成就而称誉画坛。这个时期的绘画艺术，所取景致，无论是简陋还是宏阔，都强调清宁的环境和闲适的情致，既基于对客观环境的提炼概括，又寓含一定象征意义，寄托了文人的理想和品格。另外，明朝即是院体派和吴门画派并存的时代，与此同时也是两派兴衰交替的时代，以林良、吕纪为代表的宫廷花鸟画包含了工笔重彩和水墨写意的不同风格。在民间，受到戴进影响的浙派画家吴伟，画风放纵，对当时的画坛影响很大。明代晚期是吴门画派最兴盛的时期，虽然当时受生活范围的限制，绘画题材面狭窄，题材比较单调，作品的重复性很大。但是，他们重视继承古代人的笔墨传统，把对风格的追求作为艺术的重要目的。而且，由于他们具有深厚的文化修养，有各自的美学追求，从而也具有一定的创造性。他们的笔墨技巧和表现手法，对后来画坛有很大影响。
清朝的画家中比较有名气就是郑燮，即是郑板桥，其诗、书、画世称“三绝”，擅画兰竹。郑燮一生画竹最多，次则兰、石，但也画松画菊，是清代比较有代表性的文人画家。他的绘画不是一味的模仿前人的绘画风格，也不是远离生活的笔墨游戏，是有着独特个性，有创新精神。我们可以看出郑板桥所画竹子和题画诗，大多是借竹缘情，托物言志，气节和气概，凡竹子的高风亮节，坚贞正直，高雅豪迈等气韵，都被他表现得淋漓尽致。这正是郑板桥作品不同于传统花鸟画之处，不同于前人之处。传统的兰竹大多数表现为欣赏性的、娱乐性的主题，画面主要追求自然形象的真与美、绘画技能的高与低、笔墨运用的娴熟与雅俗，而到了郑板桥的笔下，除了达到这些技能技巧外，题画诗还赋予这题材新的思想内容和深邃意境，使花鸟画亦能产生思想性、抒情性，给人以深刻的感受。另外比较著名的画家，例如四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁僧），四僧（渐江、髡残、八大、石涛）。晚期的时候，中国逐渐沦为半封建本殖民地，相应的中国的绘画也发生了重大变革。虽然受到外国各种绘画技巧的感染，但他们仍然坚持了中国绘画的美学基础。他们在写意花鸟方面有重大发展，他们继承了前人的传统，并将书法，篆刻等艺术表现形式融于绘画中，以遒劲酣畅的笔力，淋漓浓郁的默气，鲜艳强烈的色彩以及书法金石的布局，创造出气魄宏大，豪迈不羁的绘画艺术形象。对近代的绘画影响甚大。
总的来说，中国唐代以后的绘画，无论从绘画技巧还是从艺术特点上分析，都是中国历史上最灿烂，最辉煌，最引人自豪的时期，作为后代子孙的我们，应该继承发扬传统，将古人的艺术结晶一代一代的传下去。
希腊神话电影：
《特洛伊》。
《大力神》。
《尤里希斯》。
《蛇发魔女》。
《新木马屠城》。
《奥德赛》。
《奥菲斯》。
《亚历山大大帝》。
《世纪对神榜》。
《时光大盗》。
《百劫英豪》《杰逊王子战群妖》。
《米蒂亚》。
《伊阿宋与金羊毛》。
《俄底浦斯王》。
《特洛伊的女人》。
《非凡的阿芙洛狄特》。
《赫拉克勒斯》。
《赫拉克勒斯的爱情冒险》。
《伊阿宋和阿耳戈船英雄记》。
美术鉴赏论文
摘要：
中国十大传世名画之一。北宋风俗画作品，宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品，属一级国宝。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。自从问世，人们对清明上河图的评价和鉴赏从没有中断过，可见其艺术价值之高以及作者画技的高超。在不断的探索和评价过程中，我们对美术的鉴赏本质也有了一定的认识。
关键字：
清明上河图张择端美术鉴赏美术鉴赏的意义。
引言：
《清明上河图》的鉴赏，对画家张择端的了解，进一步探索美术鉴赏对我们的意义和启发。
正文:。
美术鉴赏是对美术作品进行评价和欣赏。美术鉴赏是一种审美活动，它是鉴赏者运用自己的感知能力，情感，审美经验和知识修养，对美术作品进行感受、体验、理解和评价，从而获得审美享受和艺术知识，提高审美能力，陶冶情操的过程。它也是鉴赏者面对足以引起审美感情的作品，两者相互作用而产生的一种心物感应，物我交融的复杂的心理过程。
下面以中国十大传世名画之一《清明上河图》为例，先对作品进行鉴赏，然后结合这幅作品来谈谈美术鉴赏的意义。
《清明上河图》宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画卷中，画中主要分为两部分，一部分是农村，另一部分是市集。画中有五百五十余人，牲畜五六十匹，船只二十余艘，房屋楼宇30多栋，车13辆，轿14顶，桥17座，树木约180棵，往来衣着不同，神情各异，栩栩如生，其间还穿插各种活动，注重情节，构图疏密有致，富有节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙，颇见功底。这幅画描绘的是北宋汴京市井生活清明时节的繁荣景象，是汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照，栩栩如生地描绘了北宋都城汴京的日常社会生活与习俗风情。好一派繁荣昌盛的景象啊!
全画分为三个部分：
一、汴京郊野的春光：疏林薄雾中，掩映着低矮的草舍瓦屋、小桥流水、老树、扁舟，阡陌纵横，田亩井然，依稀可见农夫在田间耕作。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。
环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。
二、繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有“王家纸马店”，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。
横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美，宛如飞虹，故名虹桥。一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的;有用长竿钩住桥梁的;有用麻绳挽住船的;还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地在大声吆喝着什么。船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。
三、热闹的市区街道：以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。
商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎着“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷小儿，有酒楼中狂饮的豪门子弟，有城边行乞的残疾老人，男女老幼，士农工商，三教九流，无所不备。
交通运载工具有轿子、骆驼、牛马车、人力车，有太平车、平头车，形形色色，样样俱全。绘色绘形地展现在人们的眼前。
张择端在作这幅画时极注意细节，人物的表情栩栩如生，动作定格生动，使人身临其境。他并不注重虚境和实境的对比，而是细致描绘每个角色，甚至画中的树木都做细致的刻画，不同树木的质感和空间对比都表现得极为充分。人物和食物的比例合度，远近也层次分明。画家在作画时线条清晰自然，颜色深浅浓淡事宜，人物表情丰富，直达内心，景物自然和谐，与人物相应成辉，所体现的朝气和谐的繁荣景象，充分反映了张择端对客观外界和主观感受的高度尊重。
画家在注重实际事物刻画的同时，又注重绘画本身的笔墨意趣。在画家看来，绘画之美并不仅仅在描绘自然景色，更重要的是笔墨本身所体现的美，所传达出的画家的主官感受、气势和意趣。
下面结合这幅作品来谈谈美术鉴赏的意义。
通过对这幅《清明上河图》的鉴赏以及推及到其它的作品可以看出，通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美育知识，更可以培养创造美的能力。对我们的性格，感情，认识，人生观，思想观等都有非常重要的意义，可以培养我们的积极性、主动性，使艺术素养、人文修养得到提高。
更具一般的说，美术鉴赏的意义在于使作品完成它的创作使命。没有欣赏或鉴赏的作品，即不与观众见面的作品是不会产生任何社会作用的，美术作品只有通过鉴赏才能产生作用。美术鉴赏的过程是观者积极思考，根据自己的生活经验及掌握的知识，对作品加以理解而使作品达到完善的过程。具体作品面对不同的观者将产生不同的效应，但美术作品存在的共同效应是主要的。美术欣赏是为提高人们的文化素养与审美素质，以促进社会发展为目的。
首先美术鉴赏可以帮助我们开阔眼界，扩大知识领域。人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对每个儿人来讲，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象的接触到许多人生与经历远远不能涉及的'广阔领域。以中国的美术作品为例，上下五千年，许多绘画，雕塑，工艺和各种建筑艺术，都可以帮助我们开阔眼界，使我们从中了解到许许多多从书本上和个人经历所无法得到的生动而丰富的知识。外国美术作品，更向我们展示了一个广阔的世界。所以通过对古今中外美术作品的欣赏，可以帮助人们周游世界，漫步历史，极大的扩展知识领域。
其次，美术可以陶冶人的情操，促进精神文明建设。美术欣赏活动的特点，首先表现在它是一种感觉和理解，感情与认识相统一的精神活动。因此，欣赏者通过对艺术作品的欣赏而提高认识、接受教育。如我国原始社会的彩陶和商周的青铜艺术，以及他们许多巧夺天工、光彩夺目的工艺品，使人深深地认识到我们祖国历史的悠久和古老文化的辉煌，从而增强热爱伟大祖国的思想感情。在欣赏的过程中，通过比较鉴别，也可以使我们认识到什么是真善美，什么是假恶丑，审美的批判过程，便是提高精神境界的过程。
第三，美术鉴赏是提高艺术修养和审美能力的重要途径。马克思说：“艺术对象创造出动的艺术和能够欣赏艺术的大众”。这就是说，按照美的原则创造出来的作品，反过来又会对人们起审美的教育作用，从而提高人们鉴赏艺术的能力。这种鉴赏艺术的能力的积累，就是人的艺术素养能力提高的过程。艺术作品看的愈多的人，就愈能鉴别和欣赏艺术。我国古代南北朝时期著名的文艺理论家刘勰说的“操千曲而后晓声，观千剑而后识器”讲的就是这个道理。多欣赏一些古今中外优秀的美术作品，多对日常生活中的美术作品进行审美分析，是提高人们艺术素养和审美素养的重要途径。
我们在欣赏这些美术作品的过程中会被其中真实而生动的形象所打动，唤起我们优美崇高的思想感情。在这种潜移默化的过程中，我们会得到心灵的净化，情感的陶冶，在不知不觉中接受了健康向上的精神品质和道德情操，从而改善人的情感状态，影响人行为。同时也得到视觉的愉悦和享受，扩大我们的知识领域，开阔了我们的视野。
通过对《清明上河图》的鉴赏使我了解了中国另一方面的优秀传统文化，了解中国传统的优秀思想和人生价值观，它拓宽了我的知识面，对培养我们的认识世界的能力,审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展,都具有十分重要的意义。
参考文献：
1、百度百科《清明上河图》。
将本文的word文档下载到电脑，方便收藏和打印。
珠宝鉴赏论文
周备宁。
专业班级。
电气1044学。
号
1004411407。
电气与信息学院和谐。
勤奋。
求是。
创新。
提纲。
1.关于翡翠的鉴赏。
2.关于中国和田玉的鉴赏。
3.关于翡翠的鉴赏。
一、翡翠的鉴赏：
通常来说，翡翠鉴定是指翡翠成品件的鉴定，一般可分为仪器测试与人工鉴定两个方面。
仪器测试，通常是通过偏光仪来测试它的结构晶体，通过折射仪来测试它的折射率。通过滤色镜来测试它的颜色元素，通过密度法测出它的密度，通过硬度计获得其硬度，通过分光仪测试致色光谱等等，仪器测试具有很高的科学性，它能通过现代科学技术的手段，测试出可靠的依据，无疑有很大的正确性，一般只有专业工作者掌握。对于绝大多数翡翠爱好者来讲，必须通过人工鉴定这一传统手段加以鉴别。
人工鉴定的过程，是一个日积月累的过程，需要长时间的实践经验积累。一般来说，需要从翡翠的以下特征着手：
1.结构：翡翠的结构为变斑晶交织结构，系指其在变质作用下，透明粒状斑晶的周围的细小纤维状的矿物晶体交织在一起而形成的结构。在翡翠中均有不透明或微透明的白色纤维状晶体交结在一起构成的小团块状白花，故称之为“石花”或“石脑”。2.种坑：翡翠的种坑是由结构与质地构成的，而翡翠均由小晶体所组成，晶体粒越小，表示质地越致密，透明度亦越佳，打磨出来的效果亦越出色。在珠宝行业中，将坑种，分为老坑（也称老种）与新坑（也称新种），老坑色彩亮润，色与地融为一体，透明度高，其质最佳。新坑，虽说色彩也鲜嫩，但透明度较差。老坑与新坑，是根据翡翠形成年代多少而决定的。
3.颜色：翡翠的颜色等级的差别，反映在价值上相关很大，在鉴定评价翡翠时，一定要分清它的颜色，它以红、绿、紫色为主，单色翡翠中的绿色，浓艳纯正的紫色、红色都是翡翠中的高档颜色，尤以绿色为最贵。翡翠的绿色，要以浓、阳、俏、正、和为好。绿色品种以宝石绿、玻璃绿、艳绿与秧苗绿为最佳。
4.水头：水头即为翡翠的透明度。水头越高，种质越好，便越珍贵。在观察翡翠水头时必须十分仔细，因透明度与翡翠本身的厚薄有关。另外，特别要小心做过手脚的翡翠成品，例如成品中间是挖空的。还有要留心玛瑙代制品，因为玛瑙的透明度也比较好，于是便有人以玛瑙着色来冒仿翡翠。在港台，还将翡翠的透明度划分为“通”、“放”、“透”、“冰”、“莹”等等级，其中“莹”为最上品。
5.地子：翡翠的地子要好，无论是翡，还是翠，外部分质地要细腻均匀，内部分质地要坚实、细润、洁净、水头足，好的地子还要与翠色协调一致，互相照应，从而衬托出翠色的富丽。翡翠地子以玻璃地与蛋清地为最佳。
6.光泽：翡翠作为珠宝，对其光泽的要求也很高，它是翡翠质地优劣的直观反映，必须具有油脂的强玻璃光泽或珍珠光泽。7.手感：由于翡翠的硬度大，结构致密细腻，抛光度好，光洁度也好，手摸之有一种非常温润的滑感。另外，将翡翠贴于脸上或置于手背上有冰凉之感。
8.完美：多指翡翠的完美度好，包括翡翠内在无任何缺陷，形体完美无损且块度大。关于内在缺陷这一点，应当辩证地看待，总体来说，不含黑点、石花与绺裂的要比含这些缺陷的好，但有时微弱缺陷，只要不在成品的显眼部位，不但不会影响翡翠身价，反而是证实它是真货的依据，尤其是在今天市场上到处充塞了假货的情况下。在国际珠宝市场上，通常根据翡翠的颜色、透明度与结构质地的不同，将翡翠分为三大类，每个大类又分为a、b、c、d四个品级，不同类别、品级的翡翠，价格差异很大。
第一类，称帝王玉。它是翡翠中的上品，颜色翠绿纯正，浓艳，均匀，透明度高，水头足，其质地结构，均系地道的老种，产量仅占世界年产总量的百分之五。这类翡翠的价格非常昂贵，计量单位以克拉计算，并跻身于钻石、刚玉、祖母绿、猫儿眼等高档宝石的行列。在第28届仰光宝石展销会上，帝王玉a级2000美元一克拉；b级500美元一克拉；c级200美元一克拉；d级100美元一克拉。
第二类，称商业玉。档次不如第一类帝王玉，颜色较杂，各种颜色的翡翠都有，且其颜色浓淡不一，均匀不一，透明度也不一。它的种坑质地也较杂，有老、新、新老种等。这一类翡翠品质高低参差不齐，其优质者，与帝王玉仅次于颜色的浓度与均匀程度。这一类是翡翠中的大类，主要用来制作首饰，是世界各地珠宝店里主要的翡翠商品，在第28届仰光宝石展销会上，商业玉a级1000美元一公斤；b级200美元一公斤；c级50美元一公斤；d级30美元一公斤。第三类，称普通玉。这是翡翠中最次的一类，它包括无色的翡翠，其结构瑟透明度跟商业玉基本相同，主要用于制作一些较低档次的玉雕摆件。在第28届仰光宝石展销会上，普通玉a级30美元一公斤；b级15美元一公斤；c级10美元一公斤；d级5美元一公玉在人们的心目中的印象总是洁白、温润，通灵的。世界上许多美好的东西都是“玉”字来形容。玉是一种特别坚硬的矿石，从其化学成份来看，它是一种辉石矿。玉的形成和各种岩石的形成一样，都是大自然变化的产物，美丽多姿的玉石因为产量稀少而成为宝石。自古以来，它一直笼罩着神秘的色彩。远古的人类曾将玉琢制成武器和工具，直到后来开始崇拜玉器。
玉（jade）这个名称本身与医学有关，来源自西班牙语。玉石中含有硒、锌、铜、钴、锰等许多微量元素，佩戴在身上，与人体长期接触，这些有益元素逐步会被人体吸收，使体内各种微量元素得到补充，对内脏器官的功能起到相应的调节作用，从而起到祛病健身的作用。另外，玉石还具有稳定情绪、增强人的快速反应能力的功效。玉通常被分为硬玉类和软玉类。
硬玉类——硬玉即为翡翠。质量优良的翡翠相对来说较为稀有，价格昂贵，能迎合高档消费者的品味，主要产于缅甸，在山上称为山石，在河底称为水石。软玉类——即和田玉、白玉、青玉、碧玉、黄玉等。软玉比较便宜，故需求量较大，产量也多于翡翠，主要产地在我国台湾和加拿大、澳大利亚、俄罗斯、新西兰、美国等。
翡翠的开采已有600年历史。在以缅甸帕敢市为中心的方圆250平方公里的范围内，储藏有丰富的翡翠资源。
翡翠因其华贵深沉稳重的品格，以其无以替代的优势，赢得了玉石之王的美称。它的优劣应从颜色、透明度、形状和杂质这四方面来看。
颜色——颜色是决定其价值的重要环节，颜色要浓艳并且均匀，必须色正。
透明度——好的翡翠透明度好，质地细润，翠绿和深绿均具有透明感，如清澈的泉水，并赋有光泽，水份好。
第一，要知道翡翠与料石的区别，它最易与翡翠混淆。料石为人工熔炼，结构松懈，绿色均匀，虽有特意制造的不均匀但很不自然，料石的破处是亮碴，容易损磨而失去光亮，料石体轻，有的有气泡。翡翠是天然矿石，结构紧密，绿色大都不均匀，但很自然，有翠性无气泡，翡翠的破处是石头碴，硬度很大，体重。
第二，要知道如何鉴定炝色翡翠。把炝色翡翠放入硝酸或硫酸内，几小时后绿色便会退掉。或者将炝色翡翠放在70~80℃的铁器上，几小时后绿色也会退掉。利用这两个特点可用来区别炝色翡翠和天然翡翠。
第三，要知道翡翠与绿色天然矿石的区别：与翡翠容易混淆的天然矿石之绿色都不如翡翠的绿色鲜艳，特征都不相同，如碧玉，大部分有黑点，黑点呈三角形。澳洲石，绿色闪蓝头，色不纯。绿玛瑙，绿色闪蓝，色匀净，但透浑。东陵石，绿色闪蓝，闪灰，表面闪耀小白星。
此外，分光镜也是辨别染色和天然翡翠的关键工具。
二、中国和田玉的鉴赏：
如果说翡翠是玉石之王，那么中国的和田玉是世界公认的“软玉之冠”。和田玉在我国至少有7000年的历史，是我国玉文化的主体。和田玉由于质地十分细腻，所以它的美表现在光洁滋润，颜色均一，柔和如脂，它具有一种特殊的细腻，所以它的美表现在光洁滋润，颜色均一，柔和如脂，它具有一种特殊的光泽，介于玻璃光泽，油脂光泽，蜡状光泽之间，可以称为玉的光泽，这种美显得十分高雅；而且和田玉非常坚韧，抗压能力可以超过钢铁。
和田玉在我国历史上传统的以颜色为分类依据，和田玉主要可以分以下几类：白玉：颜色洁白，细腻，滋润，微透明，宛如羊脂者称羊脂白玉；不透明，光泽较差者为白玉。
青玉和青白玉：色呈深灰绿至蓝绿色，不透明；青白玉是青玉与白玉之间。
碧玉：深绿色(菠菜绿色），质地较粗。碧玉除新疆所产外，我国玉器工艺界把台湾和国外所产的软玉也统称为碧玉。
黑玉：主要含分散的碳质或石墨而呈灰黑色或灰黑与白色相间的条带。如果完全是黑色的，称墨玉。
黄玉：是地表水中褐铁矿渗入白玉中造成的，米黄至黄色。羊脂白玉为和田玉上品，自古以来人们极为重视，但存世极罕，是玉中极品，价格非常珍贵。白玉不但象征纯洁、高尚、温润，而且象征吉祥、安谧。在古代，帝后才有资格佩上等白玉。其价值极高，甚至超过翡翠。如已被国家定为“国宝”的西汉“皇后之玺”就是利用晶莹无瑕的羊脂白仔玉料雕琢而成的。因此如何鉴赏和鉴别变的十分有价值。
羊脂白玉是和田玉中的宝石级材料，是白玉中质纯色白的极品，具备最佳光泽和质地，表现为：温润坚密、莹透纯净、洁白无暇、如同凝脂，故名。对于此玉和普通白玉，最简单的区别方法，是在白色的日光灯下观看。羊脂白玉对着日光灯，所呈现的是纯白半透明状，而且带有粉粉的雾感。而一般的白玉，对着日光灯虽也呈半透明状，但没有粉雾感。两者最大的区别是，白玉无论档次等级的高低，以肉眼看均很白，但在白色日光灯下必定带有深浅不一的微黄色，因此在日光灯下若有一丝丝微黄色，就不能称之为羊脂白玉了。符合苛刻标准的珍稀名贵的羊脂玉，是绝对容不下丝毫杂质的。
羊脂玉的鉴别要点必须满足五个方面，即质地纯、结构细、水头足、颜色羊脂白、油性重质地纯——羊脂玉中透闪石矿物含量达到99%。
羊脂玉存在于围岩蚀变最完美的地段。当花岗闪长岩体与白云岩接触产生一系列接触变质岩系，白云岩变为白云石大理岩，岩浆晚期热液沿白云石大理岩构造裂隙通道，发生交代作用形成透闪石岩。围岩蚀变形成了白云石大理岩-透闪石化白云石大理岩-透闪石岩三种岩相，羊脂玉就赋存于透闪石岩岩相中。
结构细——羊脂玉中透闪石呈显微纤状变晶结晶及成集合体，在电子显微镜、光学显微镜下可对透闪石结晶粒度进行测定，羊脂玉中透闪石纤维状长度(纵向)0.033-0.01mm，宽度(横向)0.0006-0.001mm，这些显微纤状、绒毛状、毡状透闪石晶体互相交织在一起，组成绒毛状结构、毡状结构、交织结构。
显微纤状、绒毛状、毡状透闪石晶体集合体，在正交偏光下的特点就是在相同角度内，不显示均一的消光现象。
水头足——水头、灵地都是玉石透明度的称谓,在透闪石玉中常从厚度2mm为标准,白玉在这准则中呈现半透明-不透明,羊脂玉的水头足说明呈现半透明状。
颜色羊脂白——羊脂白不是纯白，而是带有油脂光泽的白，在白色中有的可透出微微的黄色，质地差的也可在白色里透出微微的浅灰色调。
油性重——羊脂玉在人们手掌中不断的触摸过程中，自而然之，在玉石表面产生一种“油性”感，在一些和田细白玉中也有此现象，当羊脂玉坠于水中，提起玉体，可滴水不粘，因此油性重的羊脂玉绵性也特好，所谓绵性，也就是韌性。因此，只有满足以上五个方面的才是真正上好的羊脂白玉。
三、钻石的鉴赏：
钻石是我们平常经常会谈到的，但是又不是每个人都非常了解的一样很美丽的东西。人们都说，女人都喜欢钻石，当她们看见钻石的时候，眼睛就会比钻石更闪。那意思就是说女人都喜欢钻石，为什么女人都喜欢钻石？因为漂亮？因为名贵？还是因为什么？我觉得，那是因为钻石跟爱情是有关联的。
首先，让我们来认识一下钻石。钻石是指经过琢磨的金刚石，金刚石是一种天然矿物，是钻石的原石。简单地讲，钻石是在地球深部高压、高温条件下形成的一种由碳元素组成的单质晶体。人类文明虽有几千年的历史，但人们发现和初步认识钻石却只有几百年，而真正揭开钻石内部奥秘的时间则更短。在此之前，伴随它的只是神话般具有宗教色彩的崇拜和畏惧的传说，同时把它视为勇敢、权力、地位和尊贵的象征。如今，钻石不再神秘莫测，更不是只有皇室贵族才能享用的珍品。它已成为百姓们都可拥有、佩戴的大众宝石。钻石的文化源远流长，今天人们更多地把它看成是爱情和忠贞的象征。
钻石的化学成分是碳，这在宝石中是唯一由单一元素组成的，属等轴晶系。晶体形态多呈八面体、菱形十二面体、四面体及它们的聚形。纯净的钻石无色透明，由于微量元素的混入而呈现不同颜色。强金刚光泽。折光率2.417，色散中等，为0.044均质体。热导率为0.35卡/厘米秒度。用热导仪测试，反应最为灵敏。硬度为10，是目前已知最硬的矿物，绝对硬度是石英的1000倍，刚玉的150倍，怕重击，重击后会顺其解理破碎。密度3.52克/立方厘米。钻石具有发光性，日光照射后，夜晚能发出淡青色磷光。x射线照射，发出天蓝色荧光。钻石的化学性质很稳定，在常温下不容易溶于酸和碱，酸碱不会对其产生作用。钻石与相似宝石、合成钻石的区别。宝石市场上常见的代用品或赝品有无色宝石、无色尖晶石、立方氧化锆、钛酸锶、钇铝榴石、钇镓榴石、人造金红石。合成钻石于1955年首先由日本研制成功，但未批量生产。因为合成钻石要比天然钻石费用高，所以市场上合成钻石很少见。钻石以其特有的硬度、密度、色散、折光率可以与其相似的宝石区别。如：仿钻立方氧化锆多无色，色散强（0.060）、光泽强、密度大，为5.8克/立方厘米，手掂重感明显。钇铝榴石色散柔和，肉眼很难将它与钻石区别开。它已成为百姓们都可拥有、佩戴的大众宝石。钻石的文化源远流长，今天人们更多地把它看成是爱情和忠贞的象征。
那钻石和爱情是有什么关联的？让我们来分析一下。还记得戴比尔斯有句响当当的广告词：“钻石恒久远，一颗永流传”。几百年来，人们都把钻石与爱情联系在一起，把钻石作为表达爱意的最佳礼物。而现在的人们，则喜欢将钻戒与婚姻放在一起，成为结婚时必不可少的物品。它们有着许多相同的特点，正好形成了一种默契。于是结婚钻戒被人们接受下来。古代对钻石的记录都充满了神秘、传奇、浪漫的色彩：因为钻石稀少、罕见，人们认为她是星星坠落时的留下来的碎片；另外有人认为是天神的眼泪在地上的结晶物。在英文钻石一词为“diamond”、法语为“diamante”、德语为“diamant”，俄语为“almaz”，他们都源于古希腊文“adamas”意思是不可征服。由于她纯洁、璀璨、坚硬、独一无二的特性，使钻石成为永恒爱情的象征。以前的人认为爱神丘比特的爱情之箭的箭尖是钻石做成的，因此她变得无坚不摧，具有了征服爱情的力量。
钻戒第一次作为定情信物的典故，发生在1477年，奥地利的马克西米连为了得到法国的玛丽公主的爱，因为玛丽太漂亮，追求的人很多，都没有得到她的爱，马克西米连为此召集了很多谋士出谋划策，最后有人提议，钻戒象征坚贞永恒的爱情，在公主的手指上戴上钻戒便可以得到她的爱。后来，马克西米连用了此办法，并且，果然灵验，当他把象征爱情的钻戒轻轻地戴在玛丽公主左手的无名指时，玛丽公主应允了。从此开创了赠送钻戒订婚的传统。另外，为什麽订婚钻戒，非要戴在左手，又要戴在无名指上呢？基督教的信徒们认为这缘于基督教式的结婚仪式，主持婚礼的牧师手拿戒指按顺序轻触新人的左手，并说“奉圣父、圣子、圣灵之名”，最后落在左手的第四个手指上，因而形成此传统。戴比尔斯的广告词“钻石恒久远，一颗永流传”已经被广泛接受。几百年来，坚不可摧的钻石与今生不变的爱情被人们联系在一起，把钻石作为表达爱意的最佳礼物。钻石与婚姻各自有自己的特点，在很多方面正好形成默契，于是结婚钻戒被人们接受下来。从钻石的自身特点而言，钻石与婚姻有什麽样的联系呢？钻石的特点是：均匀剔透、世界上最硬、化学性质稳定，这使钻石有纯洁无邪、无坚不摧、永远忠心或矢志不渝的含义；另外钻石的开采困难，储藏量小，成本高，使它成为现在最昂贵的宝石，这使钻石增加了高贵、富贵的含义；钻石有着非常丰富的文化内涵，在古代人们无不以拥有钻石为荣、拥有钻石为尊，这又使钻石成为“尊贵、高雅”的代名词。婚姻，人们对它寄予相同的期望无坚不摧，婚后夫妻双方相互忠诚、相互尊重，夫妻的“海誓山盟”的爱情矢志不渝，直到永远。结婚，意味着把一生的幸福交付给另外的一个人，而男士为了充分表达对女方深厚的情意，都会磬其所能表达自己的心意。按基督教的习俗，钻戒应戴在无名指上，据说是牧师用戒指顺序轻触新人左手的手指，并说“奉圣父、圣子、圣灵之名”，最后正好落在无名指上。而埃及人认为，无名指的血脉是直接引进心房的爱情之脉，象征爱情永恒不变，极具浪漫色彩。钻石是四月份的生辰石，象征“纯洁无瑕”，结婚60周年称为钻石婚。一提到钻石，人们会很自然地联想到南非。但是，最早发现钻石的国家并不是南非，而是印度。据著名印度史诗《玛哈帕腊达》中的记载，早在四千多年以前，人们就用钻石来装点他们的英雄眼睛。大约在公元前四世纪时，钻石就已成为非常有价值的商品，同时也是权势、地位的象征。钻石以其神奇、璀璨夺目的光彩深深地打动着人们的心，又因无可匹敌的硬度、自然界罕见而显得格外珍贵，被誉为“宝石之王”。爱情是人类永恒的主题，女性使爱情充满魔力。女性的美是爱情之魂，古往今来，让无数文人墨客去咏叹。当印度最早发现这坚不可摧、所向无敌的钻石后，钻石便与爱情、与女性结下了不解之缘，使钻石文化与爱情文化紧密地联系起来。钻石孕育于地球深部炽热的岩浆中，随着剧烈的火山爆发，来到了人间，又经过亿万年的风化、磨砺和洗炼，最终绽放出夺目的光彩。它成了永恒的信物，代表永恒之心，燃烧永恒之火，表达永恒之爱，作为爱的语言诉说天长地久、永无尽头。在13世纪，法国皇帝圣路易斯认为只有圣母玛莉来亚才有资格佩戴钻石，显示了钻石崇高的情感价值。更使女性动情的是，传说中爱神丘比特的箭镶满了钻石，才因此充满爱的魔力。
很难想象，晶莹透、光彩夺目的钻石，却是所有宝石中最为普遍的碳元素结晶物。这种从普通化学成分到高贵的钻石所经历的美的历程，所获得美的品质，对于人类的感情价值来说，不也同样如此吗？寻找钻石，比砂里淘金还要艰辛，比大海捞针还要艰巨。据人们考查发现，“爱人”这个美丽动情的词汇最早竟然出现在刻于一枚公元前400年前的订婚戒指上。英国国王享利在送给王后的戒指上刻着一句小诗“神把我差遣给您”，可谓留下了婚戒的千古绝唱了。自从15世纪以来，婚约誓盟赠送钻石戒指（简称钻戒）已成为人类一种神圣的传统。作为爱的一种纪念，美的一种标志，在文化背景上，最具珍贵象征意义的还是钻石。年轻人选择钻石来作为他们定情新婚的见证，通过钻石的完美及永久来祈望他们绝对爱心的美满及永远；年长者喜欢选择钻石来作为金婚纪念的标志，通过钻石的永恒来表明他们的经过漫长岁月考验永生不变的爱心。钻石是世界上最坚硬的物质，因此被喻为最能经得住各种考验，成为给人带来力量、美丽、幸福和长寿的象征物。所以，从结婚到金婚之间每一个生命之爱的纪念历程，它都可以在爱情之旅上建立起一个永恒的纪念塔。钻石是世界上最传奇的物质。因此在社交场合，女性佩戴钻石又成为她们表现信心、突出个性，或者表达勇敢与成功的象征。这是自尊、自立、自强的心灵造型，不只是装饰文化，而是构成职业女性的一种美感状态。用钻石文化语言，为女性诉说着生命的浪漫与激情。女性把钻石镶嵌在胸针上，显得高雅别致；把钻石镶嵌在吊坠上，显得魅力无穷；镶嵌在发夹上，更有一种别样的意境。有了钻石文化，女性美的文化更有一番升华。现代人从自然情感出发，对钻石颜色的象征意义赋予了丰富的内涵。女性佩戴纯白的钻戒，象征着“纯洁、忠贞”，微红的钻石表示“热情似火”和“活泼天真”；微蓝的钻石表示“柔情似水”和“娇媚可爱”。钻石是世界上最昂贵的宝石，1988年纽约索士比拍卖行曾拍卖过一颗重量为0.95ct钻石，每克拉价值竟达到97.5万美元。但通常来说，钻石真正的价值不完全在于它的价格本身，它象征的是一爱情之火生生不熄，它象征的是一种生命之美绵绵不绝，它给女性带来浪漫的色彩，它给女性留下美好的回忆。
美术鉴赏论文
也许是冥冥之中自有定数，在大二的尾巴抓住了艺术的犄角，还记得第一次去上《中外美术鉴赏》课程的时候，第一个女老师给我们放映了几百年来外国优秀美术作品中的人物画像，还记得其中的人物画像中的主人公大多数是女性，同时也说明了外方女性人权的发展见证了外方美术史的发展，还有就是老师在课堂上播放了一些满是创意的小视频小发明，其中趣味索然，给人印象深刻，同时也传播了艺术的趣味性，世人离不开艺术，生活离不开艺术，艺术创造美好生活。
外方作品独赏识《日出印象》，1872年克洛德。莫奈的这幅名为《日出印象》的油画首次展出，这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景，港口作业区的大致轮廓——起重机、吐着烟的烟囱、建筑——透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触，观者所能辨出的就是这些。这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。批评家们更是大为恼怒，他们将这幅画的作者莫奈以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。指责莫乃画风太幼稚，其画作不过是小儿涂鸦而已，与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。几年后艺术评论来了个180度转变，好象莫奈好得不能再好了，仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境，令当代画家相形见拙。
为何莫奈笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟，后来又被称为对港区日出情景了不起的再现？我们该如何理解此种戏剧化的转变。
莫奈背弃了关于勒阿佛尔港传统的种种表达方法，而更趋向于表现真实的自我感受，传达出自己对日出的鲜活印象，将常识之类搁置一边，竭力捕捉最初朦胧印象，并将其凝固在画布上。他试着画出的是我们打量世界时实际看到的一切，而不是我们料想我们会看到的东西。因此开始的时候人们自然会抗拒，勒阿佛尔港的日出怎么是这样的呢？可是随着时间的推移，经过观察，人们发现，当船衬着城市的背景出现时，在特定的光线下从特定的角度看去，船似乎真的是在城里行驶，有时海天会浑然一色，我们实难分辨何为大海，何为天空。
而就我个人而言，独爱徐老的作品，徐老一生以画马闻名世人，在他个人的艺术成就中，也以画马的成就最为卓著。他一生致力于国画的改革，而体现他国画改革最高成就的就是他的国画奔马。他非常注重写生，关于马的写生画稿不下千幅，学过马的解剖。对马的骨骼、肌肉、组织了如指掌，同时，他还熟悉马的性格脾气。在技法上，他以中国的水墨为主要表现手段，又参用西方的透视法、解剖法等，逼真生动地描绘了马的飒爽英姿。用笔刚健有力，用墨酣畅淋漓。晕染全部按照马的形体结构而施加，墨色浓淡有致，既表现出马的形体，又不影响墨色的韵味。徐悲鸿的马是中西融合的产物，这种融合是极为成功的。其中不得不提曾经轰动一时的《八骏图》。其中主角——八匹骏马，一个叫绝地，足不践土，脚不落地，可以腾空而飞；一个叫翻羽，可以跑得比飞鸟还快；一个叫奔菁，夜行万里；一个叫超光，可以追着太阳飞奔；一个叫逾辉，马毛的色彩灿烂无比，光芒四射；一个叫超影，一个马身十个影子；一个叫腾雾，驾着云雾而飞奔；一个叫挟翼，身上长有翅膀，像大鹏一样展翅翱翔九万里。
外国的名画家还有米开朗琪罗，达芬奇，其中达芬奇的《岩间圣母》引人入胜，它所体现出来的是作者极具表现力的写实功底，达芬奇的《蒙娜丽莎》为外方世人所称赞不已，当镜子被放置在蒙娜丽莎的右手和右肩膀一侧，就会看到“戴着头盔的耶和华”。此外，他们还在这位艺术大师的另一名作《最后的晚餐》中耶稣前方的桌子上发现一个倒置的圣杯。有报道指出，西方某艺术调查组织的这一“镜子理论”也许解释了为什么达·芬奇许多作品中的人物似乎都有所指向性或凝视着远方，就好像在寻找神圣的东西。据记载，达·芬奇经常以镜像书写（注：他喜欢从右至左写字），一方面是防止“对手”剽窃他的创意，另一方面是想隐藏他的一些科学理论。
综观中外美术芊芊作品，各具特色。相比而言，中方更重视作品的意境，而西方作品则以体现事物的多种内涵和更注重色彩的运用为特色。
美术鉴赏论文
电影精彩画面重现：
十面埋伏电影讲述了唐朝官府捕快与江湖门派飞刀门之间一场惊险刺激、扑朔迷离的追捕与反追捕的故事。而最经典的莫过于竹林打斗这一场景了。“小妹”（章子怡饰）在一片竹海中遭到官府的追杀，在危机时刻，“金捕头”（金城武饰）出现了。在竹林逃命一幕中，小妹和金捕头在官府追兵的追杀下寸步难行，上有在树梢间穿梭的捕头，下有尖竹阵拦路，腹背受敌。在被锋利的竹筒架在中间后，眼前两人不能再活，必死无疑。千钧一发之际，终于！飞刀门的人出来了，居然是“阿母”（宋丹丹饰），于是两人获救。画面赏析：
2004年，在张艺谋的这部《十面埋伏》的电影中，布置了一场非常诗意唯美的竹林打斗场面，而这个打斗场面的发生地就在重庆永川茶山竹海。
http:///view/?fr=ala0_1）在《十面埋伏》的这场竹林一战中，可以说色彩非常明丽，气韵很独特，整个画面满满的全是一片翠绿，即使是画面的几个人物也是着深绿色服装，看起来给人的感觉就是很舒服很清新，独具有一种诗化的东方美，特别是通过电影手段的放大和强化，使这一场景给观众带来视觉上的美妙享受。或许观众在观看电影时，可能更多的是忽略电影的具体情节，而被唯美的画面所迷住，在看完之后，电影画面还深深地留在人的大脑中，许久以后还会历历在目，细细回味时感叹画面精致之余，更是产生了对茶山竹海的神往之情。作为一名普通的观众，对我来说，这部电影到底讲的是什么，现在我也记不清楚了，也并不重要了，但对于这个竹林打斗的场景却深深地印在我的大脑中，无论何时提到《十面埋伏》，我唯一想到的就是这个画面。同样的，对于国外西方观众来说，这部电影也同样最大程度上满足了他们对东方美景与古老文化的好奇和想象，使他们深深感受到中华文化的美。我自认为，这个电影片段充分体现了导演张艺谋的想象力、创造力和聪明才智，应该是张艺谋执导的电影中难得的精彩片段。古代著名诗人苏东坡曾说“宁可食无肉，不可居无竹”，竹子在中国文化中，素来有着极高的地位，它被赋予了刚正之节、虚心之德、柔韧之力和孝义之情等等美好的意义，似乎已经成为东方中国的代表词汇，具有一种神秘的图腾力量。而在电影《十面埋伏》对竹子的使用重点没有单单放在竹子本身的柔韧性，对竹本身的描写上面，而是在竹林间安排了几组人物错落的位置关系，并着力营造了这种微妙关系所带来的气氛和情调。也就是说，随着时间的推移，竹子已不再局限于个体的利用，它不再为打斗而打斗，而更有了在电影中的群像演出。通过精心、独到的场景设计，在这个场景中惟妙惟肖地表现出了风光旖旎的茶山竹海的神韵。
人们常说美的体现并不是单单通过几个“漂亮”、“绚丽”、“迷人”等形容词就能做到的。的确如此，真正的美不是源自外表，而更多的是要我们内心去细细品味、感受。《十面埋伏》中是这场竹林打斗画面美，然而其内在的那种神韵、气质却需要我们以细细去品味。或许我们就会被这秀美风景所深深牵引。
《十面埋伏》剧照。
导演：张艺谋。
主演：章子怡、刘德华、金城武。